"Gemeinsam mit den nachfolgenden Unternehmen haben wir unsere Galerie um eine gewaltige Anzahl neuer Kunstwerke erweitert. Klickt euch rein in die neue wunderbare Welt von GelaSkins!"
"Mit Featured Editionen erweitern wir unsere Designgalerie für Fans und Liebhaber, der nachfolgenden Bands & Künstler, die mit GelaSkins eine ganz besondere Devotionalie haben möchten."
Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Alberto Cerriteno ist ein Designer und Illustrator aus Mexiko-Stadt, der gerne mit seinen Werken animiert. Er genießt es mit den Farben zu spielen, sein Motto:
Hauptsache es sieht gut aus. Derzeit arbeitet er als Senior Art Director in einer Marketing- und Designagentur in Portland Oregon welche auf Artwork spezialisiert ist. Alberto nutzt für seine Kunst verschiedene Medien, sei es in digitaler Form oder auf traditionelle Weise als Gemälde.
Der Beginn meiner Arbeiten, erfolgt ohne detaillierte Designs. Meine Hoffnung hierbei ist es ein Werk zu kreieren, das sich über die Ebenen meiner Vorstellungskraft hinaus bewegt. Ich sage immer, dass Künstler ähnlich sind wie Wissenschaftler, denn Sie haben keine Möglichkeit zu wissen, wie das Ergebnis eines Experiments ausgeht. Das gleiche kann man meiner Meinung nach über die Kunst sagen.
Der Beginn meiner Arbeiten, erfolgt ohne detaillierte Designs. Meine Hoffnung hierbei ist es ein Werk zu kreieren, das sich über die Ebenen meiner Vorstellungskraft hinaus bewegt. Ich sage immer, dass Künstler ähnlich sind wie Wissenschaftler, denn Sie haben keine Möglichkeit zu wissen, wie das Ergebnis eines Experiments ausgeht. Das gleiche kann man meiner Meinung nach über die Kunst sagen.
Brandi Milne ist geboren und aufgewachsen in der Kleinstadt Anaheim in Kalifornien.
Während Brandi aufwuchs war sie dem Sound und der Sehenswürdigkeiten der 70 er Jahre ausgesetzt. Ihre spätere Liebe zum Funk kombinierte sie geschickt mit der Neugier und dem Respekt gegenüber fernöstlicher Kultur und Mode. Ihre Kunst vereint sich mit zwei unterschiedlichen Genres bei denen es scheint als dass beide das Gefühl voneinander haben, dass sie nach Hause kommen. Als Autodidakt macht sie ihre eigenen Regeln und ist nicht darauf beschränkt, auf das was man von ihr erwartet. Sie stellt Schönheit und Ästethik vor jegliche Propaganda oder Werbung. Ihre bevorzugten Medien sind Acryl und Tinte und - wie seit neuestem unterschiedliche selbstgenähte Plüschkreationen. Ebenso schreibt sie gerade an ihrem ersten Buch, dass Ende 2007 veröffentlicht werden soll. Brandi ist seit vier Jahren sehr gut eingebunden in der L.A. Kunstszene und hat schon in den größten Galerien dort ausgestellt inklusive der La Luz de Jesus, und der Corey Helford Galerie. Sie hat schon an zahllosen Gruppenausstellungen teilgenommen. Ihre erste solo Ausstellung hatte sie in der Corey Helford Galerie im November 2007. In den folgenden Jahren werden weitere Solo-ausstellungen folgen unter anderem mit Copro Nason and Thinkspace.
Brandi Milne ist geboren und aufgewachsen in der Kleinstadt Anaheim in Kalifornien.
Während Brandi aufwuchs war sie dem Sound und der Sehenswürdigkeiten der 70 er Jahre ausgesetzt. Ihre spätere Liebe zum Funk kombinierte sie geschickt mit der Neugier und dem Respekt gegenüber fernöstlicher Kultur und Mode. Ihre Kunst vereint sich mit zwei unterschiedlichen Genres bei denen es scheint als dass beide das Gefühl voneinander haben, dass sie nach Hause kommen. Als Autodidakt macht sie ihre eigenen Regeln und ist nicht darauf beschränkt, auf das was man von ihr erwartet. Sie stellt Schönheit und Ästethik vor jegliche Propaganda oder Werbung. Ihre bevorzugten Medien sind Acryl und Tinte und - wie seit neuestem unterschiedliche selbstgenähte Plüschkreationen. Ebenso schreibt sie gerade an ihrem ersten Buch, dass Ende 2007 veröffentlicht werden soll. Brandi ist seit vier Jahren sehr gut eingebunden in der L.A. Kunstszene und hat schon in den größten Galerien dort ausgestellt inklusive der La Luz de Jesus, und der Corey Helford Galerie. Sie hat schon an zahllosen Gruppenausstellungen teilgenommen. Ihre erste solo Ausstellung hatte sie in der Corey Helford Galerie im November 2007. In den folgenden Jahren werden weitere Solo-ausstellungen folgen unter anderem mit Copro Nason and Thinkspace.
Nathan Spoor’s Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Nathan Spoor’s Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
MUNK ONE aka Jose A. Mercado ist ein zeitgenössischer amerikanischer Illustrator und Bildender Künstler, der bekannt ist für die Erstellung von Druckvorlagen für viele Major Label Bands wie Avenged Sevenfold, Bullet for my Valentine, Korn und My Chemical Romance. Er ist auch berühmt für die Zusammenarbeit mit weltweit renommierten Marken, die für ihre Kunst und Kreativität bekannt sind. Dazu gehören Upper Playground, Tribal Gear, True Love & False Idole und viele mehr. Seine Kunst gewinnt nach wie vor, ohne Anzeichen einer Abschwächung, sehr viel Aufmerksamkeit.
Das breite Spektrum der visuellen Ästhetik von Aya Kato besteht zum einen aus Manga und Anime, zum anderen aus der neuen Französischen- und der traditionellen japanischen Kunst. Hieraus lässt Aya Kato aus ganz gewöhnlichen Märchen oder Liebesgeschichten leidenschaftliche und lebendige Kunststücke entstehen. Als junge aufstrebende Künstlerin hatte Aya bereits ihr erstes Feuilleton im Magazin Beautiful/Decay. Gleichermaßen wurde Sie von Chubu Electric Power Co. beauftragt Window Displays zu entwerfen. Aya war maßgeblich eingebunden beim Design des Tori Amos Music Videos Sleeping with Butterflies. Aya ist fest davon überzeugt, dass sich Träume erfüllen werden, wenn man an sie glaubt.
Joe Ledbetter ist bekannt für seine goldigen und chaotischen Cartoonzeichnungen und innovativen Spielzeugdesigns, deshalb konnte innerhalb von nur wenigen Jahren einen phänomenalen Aufstieg hinlegen. Der 29 jährige Kalifornier aus L.A. studierte Soziologie an der Humboldt State University. Er arbeitete drei Jahre als Graphik Designer für Textilien. Früher oder später wurde er Mitglied der L.A. Underground Kunstszene, wo er seine Werke vor der Gruppe ausstellte. Im Sommer 2004 war Ledbetter in der Lage seinen täglichen Job zu kündigen und sich fortan auf seine Kunstkarriere konzentrieren. Sein unverkennbar einzigartiger Stil fällt besonders durch dynamische Farben und Schatten, sowie dicke Linien und überzogene Charaktere auf. Ledbetters Arbeiten illustrieren völlig unnachsichtig die Realität des täglichen Lebens, gleichermaßen erinnert er uns daran manche Dinge nicht immer ganz so Ernst zu nehmen.
Joe Ledbetter ist bekannt für seine goldigen und chaotischen Cartoonzeichnungen und innovativen Spielzeugdesigns, deshalb konnte innerhalb von nur wenigen Jahren einen phänomenalen Aufstieg hinlegen. Der 29 jährige Kalifornier aus L.A. studierte Soziologie an der Humboldt State University. Er arbeitete drei Jahre als Graphik Designer für Textilien. Früher oder später wurde er Mitglied der L.A. Underground Kunstszene, wo er seine Werke vor der Gruppe ausstellte. Im Sommer 2004 war Ledbetter in der Lage seinen täglichen Job zu kündigen und sich fortan auf seine Kunstkarriere konzentrieren. Sein unverkennbar einzigartiger Stil fällt besonders durch dynamische Farben und Schatten, sowie dicke Linien und überzogene Charaktere auf. Ledbetters Arbeiten illustrieren völlig unnachsichtig die Realität des täglichen Lebens, gleichermaßen erinnert er uns daran manche Dinge nicht immer ganz so Ernst zu nehmen.
Jeremiah Ketner ist ein sog. Visual Künstler und lebt in Chicago. Ketner wurde inspiriert von Japanischer Ästhetik, Verpackungsdesign, Magazin-Werbung und Graffiti.
Auf Gruppenausstellungen in Los Angeles, New York, Seattle, Houston, Detroit und überall im mittleren Westen, wurden seine Werke zusammen mit unterschiedlichen Künstlern ausgestellt. Die Werke seiner neuen Schaffensperiode hingegen zeigen Ketner als Solokünstler in der Milwaukees Hotcakes Gallery. Er teilt sein sonniges, gemütliches Appartement mit seiner Frau seinem, kleinen Sohn und zwei Katzen wo sie es genießen Musik zu hören und dabei anderen Aktivitäten nachzugehen.
Caia Koopman ist in Kalifornien / Livermore geboren. Sie studierte Kunst und erwarb einen B.A. an der University Santa Cruz, Kalifornien, USA.
Caias Bilder wurden bisher oft kommerziell genutzt und seit vielen Jahren als Grafik für Snowboards, Skateboards und Wakeboards genutzt u.a. für große Firmen wie K2, Morrow und Hyperlite. Caias wurde auch von "MTV Sports" unterstützt als Sportler/Künstler wg. Ihres Snowboardings und Ihrer Malerei.
Caia hat ihre Bilder schon in einer Reihe von Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt in jüngster Zeit in der Galerie La Luz de Jesus in LA. Zur Zeit arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin und Malerin in Kalifornien/Oceanside.
Caia ist inspiriert von der Natur, Träumen, Politik und dem Leben.
1973 geboren in Riverside Kalifornien, hatte Steven ein sehr bewegtes Leben er pendelte zwischen Kalifornien und dem Amerikanischen Mittleren Westen diese Zeit prägte ihn sehr.
In diesen Jahren geschah es, dass seine Leidenschaft für Kunst entzündet wurde und sich dann wie ein Waldbrand entfachte. Nach seinem Abschluss auf der Bolsa Grande High School besuchte er das Riverside College und wurde dann versetzt nach Pasadena auf das Art Center College of Design. Unzufrieden mit der Art und Weise des Unterrichtes entwickelte er für sich einen Stil der seinen Vorstellungen auch authentisch entsprach. Graffiti spielte eine enorme Rolle während seines Lernprozesses, in dieser Zeit lernte er Geduld, Farbtheorie und Farbkomposition. 1997 wurde er auf Anraten seines früheren Professors zu einem Treffen mit einem Vorstand von Disney bewegt. Hier wurde Steven bewusst, dass seine Karriere als Künstler nun ernsthafte Formen annimmt. Stevens Arbeit ist extreme stylish denn seine Gemälde sind sehr emotional und sinnträchtig. Steve hat schon in diversen namhaften Galerien ausgestellt.
Bis heute hat er eine ansehnliche Anzahl an Arbeiten vorzuweisen. Mr. Daily arbeitet derzeit an neuen Projekten und ist sehr beschäftigt. In naher Zukunft werden wir also bald mehr von seinen Arbeiten sehen.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Amy Sol verbrachte Ihre Kindheit in Korea und zog dann um nach Las Vegas in Nevada. Dort lebt und arbeitet sie derzeit. Ihr Stil ist stark beeinflusst von einer Kombination aus Manga, Folk Art, altmodischer Illustration und modernem Design. Sie ist nach wie vor eine auto-didaktische Künstlerin. Über viele Jahre hinweg, hat sie viel Zeit mit dem richtigen mischen und herstellen einer Farbpalette verbracht die aus kaum merklichen und gedeckten Farben besteht. Sol arbeitet von Anfang bis Ende intuitiv an jedem Kunstwerk. Hierbei legt Sie großen Wert darauf, dass jeder Betrachter eine subjektive Interpretation oder Aussage über ihr Gemälde treffen soll. In Ihren Arbeiten erkennt man oft skurrile Landschaften, die bevölkert sind mit exotischen Pflanzen, Tieren oder Frauen. Inmitten der Charakteristik eines jeden Bildes, spürt man eine friedvolle Reflektion und Gemeinschaft.
Fünfzehn Jahre nach der Ankunft an der Westküste von New Mexico, hat sich Sam Flores, der eine Kunst-Schule besuchte , als autodidaktischer Illustrator längst seinen Platz in der modernen Kunst-Bewegung als ein Meister der feinen Kunst-und Produkt-Designer gesichert. Zu seinen Zeitgenossen zählen Shepard Fairey, Mike Giant, Jeremy Fish und David Choe; deren kollektive Arbeiten einen Weg geebnet haben, der für eine neue zugängliche Bewegung innerhalb der Volkskunst in der Welt steht. Sam Flores künstlerische Qualität ist unprätentiös, provokativ und berücksichtigt Anforderungen ohne eine Kategorisierung.
Im Einklang mit dem Styling seiner Graffiti-Kunst tragen Flores aktuelle Fine Art Arbeiten seine unverkennbare Unterschrift. Seine Stimme und Vision ist hier sofort erkennbar. Die exotischen Charaktere und seine natürlichen Landschaften für die er bekannt ist wirken üppig und akribisch. Flores weibliche Fatima Figuren sind oft in fließenden und drapierten Kleider in Übergröße zu sehen, deren Hände anmutig die körperlichen Rundungen begrüßen. Kindliche Figuren verziert mit Tier-Masken und komplizierten, fließenden sowie floralen Bouquets ergänzen seine Arbeiten. Zu seinen größten Einflüssen zählen: Der US-amerikanische Maler Michel Parkes & Maurice Sendak, Autor des klassischen Kinder-Märchenbuches: "Where the Wild Things Are". Weitere Einflüsse umfassen den Jugendstil des 19. Jh. der Stil Ikone Alphonse Mucha, sowie die des amerikanischen Poster Künstlers Derek Hess.
Tara McPherson ist eine Künstlerin mit Sitz in New York City. Sie erstellt Kunst über Menschen und die manchmal seltsamen Wege, welche diese gehen. Ihre Figuren scheinen zu strahlen durch idealisierte Unschuld deren hart verdiente Weisheit in den Augen erkennbar scheint. Unter Berücksichtigung vieler Fragen und Erlebnissen aus Ihrer Kindheit und natürlich der guten alten Lebenserfahrung, kreiert Sie Bilder, die anregend und verführerisch wirken. Die Menschen und deren Beziehungen sind für sie der rote Faden in ihren Arbeiten.
Tara stellt ihre Exponate, Bilder und Serigraphien in den Galerien auf der ganzen Welt aus. Außer dem Poster "Die Kronprinzessin" für dass ELLE Magazine, hat sie zahlreiche Gig Plakate für Rock-Bands wie Beck, Modest Mouse, und Melvins angefertigt. Ihr Array der Kunst erstreckt sich gleichermaßen auch auf gemalte Comics und Cover für DC Vertigo, sowie Werbung und redaktionelle Illustrationen für Unternehmen wie Pepsi, das Spin Magazine, der Schaffung von Spielzeug mit KidRobot, und dass unterrichten einer Lehr-Klasse in Parsons, New York City.
Tara, ist 1976 geboren in San Francisco und aufgewachsen in Los Angeles. Sie erhielt ihr BFA vom Art Center in Pasadena, CA im August 2001 sogar mit einer Auszeichnung für Illustration, sowie für zeitgenössische Kunst. Bis sie zum College ging, war sie eingebunden bei Matt Groenings Arbeiten für "Futurama" bei den Rough Draft Studios.
Tara McPherson ist eine Künstlerin mit Sitz in New York City. Sie erstellt Kunst über Menschen und die manchmal seltsamen Wege, welche diese gehen. Ihre Figuren scheinen zu strahlen durch idealisierte Unschuld deren hart verdiente Weisheit in den Augen erkennbar scheint. Unter Berücksichtigung vieler Fragen und Erlebnissen aus Ihrer Kindheit und natürlich der guten alten Lebenserfahrung, kreiert Sie Bilder, die anregend und verführerisch wirken. Die Menschen und deren Beziehungen sind für sie der rote Faden in ihren Arbeiten.
Tara stellt ihre Exponate, Bilder und Serigraphien in den Galerien auf der ganzen Welt aus. Außer dem Poster "Die Kronprinzessin" für dass ELLE Magazine, hat sie zahlreiche Gig Plakate für Rock-Bands wie Beck, Modest Mouse, und Melvins angefertigt. Ihr Array der Kunst erstreckt sich gleichermaßen auch auf gemalte Comics und Cover für DC Vertigo, sowie Werbung und redaktionelle Illustrationen für Unternehmen wie Pepsi, das Spin Magazine, der Schaffung von Spielzeug mit KidRobot, und dass unterrichten einer Lehr-Klasse in Parsons, New York City.
Tara, ist 1976 geboren in San Francisco und aufgewachsen in Los Angeles. Sie erhielt ihr BFA vom Art Center in Pasadena, CA im August 2001 sogar mit einer Auszeichnung für Illustration, sowie für zeitgenössische Kunst. Bis sie zum College ging, war sie eingebunden bei Matt Groenings Arbeiten für "Futurama" bei den Rough Draft Studios.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Kozyndan bezeichnen sich als verrückte Wissenschaftler aus Los Angeles,
die an einer geheimen Formel für die kontrollierte Kernfusion arbeiten sowie an der Erschaffung einer Linie von genießbaren Hühnern. Nur so zum Spaß holen sie tief Luft und tauchen mit Ihren Köpfen in große Gläser mit Himbeergelee oder Zitronen Quark. Sie leben in einem Haus und bemalen nicht Ihre Wände. Das Paar arbeitet ebenso als freiberufliche Illustratoren.
Seit kurzem genießt Heather Haynes internationale Aufmerksamkeit. Zwischenzeitlich sind viele etablierte Kunstsammler auf der Suche nach Ihren original Werken.
Heather wurde in einer Reihe von ausgewählten Galerien in ganz Kanada, Großbritannien und den Vereinigten Staaten mit ihren Werken ausgestellt. Ihre original Werke befinden sich schon in vielen Unternehmens- und Privatsammlungen.
Von Kindesbeinen an, zeichnete Nathan T. Ota Bilder. Alles begann mit dem Nachzeichnen von Cartoons, Comics, Fotographien oder von Punk Rock Flyern während seiner Hausaufgaben. Nathans erste Einflüsse bekam er durch die Kalender von Frank Frazetta und Vampirella Comics seines ‰lteren Bruders. Sein Vater unterstützte seine Liebe zum zeichnen und der Kunst von jeher. In den 80 er Jahren entdeckte Nathan das Medium Graffiti um sich und seiner Kunst Ausdruck zu verleihen. Dieser Einfluss durchdringt seine Arbeiten auch heute noch. Er arbeitet als freiberuflicher Illustrator und lehrt am Otis College of Art and Design in Kalifornien sowie am Santa Monika College in Kalifornien. Darüber hinaus hat er schon einige CD Cover illustriert unter anderem Henry Rollins The Boxed Life, Big Ugly Mouth, Sweatbox, Live at MC CabeÃs und Human Butt. Zu seinen Kunden zählen ebenso The Los Angeles Times, New York Times, Wall Street Journal, Virgin Interactive, Capitol Records und 2.13.61 Publication. Ota lebt und wurde geboren in Los Angeles. Sein Diplom als Illustrator erhielt er 1993 am Art Center College of Design in Pasadena Kalifornien.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
Ric Stultz Farben malt täglich in seinem Home Office-Studio in Milwaukee, WI. Er verbringt mit sehr viel Muse den Großteil seiner Zeit mit antiquierten elektronischen Dingen. Seine Arbeiten, reisten zwischenzeitlich mehr als er selbst. Seine Werke wurden schon in den exotischsten Einheimischen Galerien einschließlich Amsterdam, Kopenhagen, London und Barcelona ausgestellt.
Zu seinem Lieblingszeitvertreib gehört dass Sammeln, von Musikaufnahmen und das spazieren gehen mit seinem Hund, oder einfach Dinge auseinanderzubauen, und gerne laut zu lachen.
Ric Stultz Farben malt täglich in seinem Home Office-Studio in Milwaukee, WI. Er verbringt mit sehr viel Muse den Großteil seiner Zeit mit antiquierten elektronischen Dingen. Seine Arbeiten, reisten zwischenzeitlich mehr als er selbst. Seine Werke wurden schon in den exotischsten Einheimischen Galerien einschließlich Amsterdam, Kopenhagen, London und Barcelona ausgestellt.
Zu seinem Lieblingszeitvertreib gehört dass Sammeln, von Musikaufnahmen und das spazieren gehen mit seinem Hund, oder einfach Dinge auseinanderzubauen, und gerne laut zu lachen.
Blaines Interessen und Inspirationen kommen aus der Folklore, der Mythologie - aus 60 er Jahre Design Büchern und aus dem Tierreich sowie seiner Vorliebe für Japanische Drucktechniken. Er lebt derzeit in Bainbridge Island, Washington als Künstler, Illustrator und Grafik Designer mit seiner Frau Eugenie Jolivett, welche gleichzeitig seine Managerin ist.