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Der Beginn meiner Arbeiten, erfolgt ohne detaillierte Designs. Meine Hoffnung hierbei ist es ein Werk zu kreieren, das sich über die Ebenen meiner Vorstellungskraft hinaus bewegt. Ich sage immer, dass Künstler ähnlich sind wie Wissenschaftler, denn Sie haben keine Möglichkeit zu wissen, wie das Ergebnis eines Experiments ausgeht. Das gleiche kann man meiner Meinung nach über die Kunst sagen.
Brandi Milne ist geboren und aufgewachsen in der Kleinstadt Anaheim in Kalifornien.
Während Brandi aufwuchs war sie dem Sound und der Sehenswürdigkeiten der 70 er Jahre ausgesetzt. Ihre spätere Liebe zum Funk kombinierte sie geschickt mit der Neugier und dem Respekt gegenüber fernöstlicher Kultur und Mode. Ihre Kunst vereint sich mit zwei unterschiedlichen Genres bei denen es scheint als dass beide das Gefühl voneinander haben, dass sie nach Hause kommen. Als Autodidakt macht sie ihre eigenen Regeln und ist nicht darauf beschränkt, auf das was man von ihr erwartet. Sie stellt Schönheit und Ästethik vor jegliche Propaganda oder Werbung. Ihre bevorzugten Medien sind Acryl und Tinte und - wie seit neuestem unterschiedliche selbstgenähte Plüschkreationen. Ebenso schreibt sie gerade an ihrem ersten Buch, dass Ende 2007 veröffentlicht werden soll. Brandi ist seit vier Jahren sehr gut eingebunden in der L.A. Kunstszene und hat schon in den größten Galerien dort ausgestellt inklusive der La Luz de Jesus, und der Corey Helford Galerie. Sie hat schon an zahllosen Gruppenausstellungen teilgenommen. Ihre erste solo Ausstellung hatte sie in der Corey Helford Galerie im November 2007. In den folgenden Jahren werden weitere Solo-ausstellungen folgen unter anderem mit Copro Nason and Thinkspace.
Brandi Milne ist geboren und aufgewachsen in der Kleinstadt Anaheim in Kalifornien.
Während Brandi aufwuchs war sie dem Sound und der Sehenswürdigkeiten der 70 er Jahre ausgesetzt. Ihre spätere Liebe zum Funk kombinierte sie geschickt mit der Neugier und dem Respekt gegenüber fernöstlicher Kultur und Mode. Ihre Kunst vereint sich mit zwei unterschiedlichen Genres bei denen es scheint als dass beide das Gefühl voneinander haben, dass sie nach Hause kommen. Als Autodidakt macht sie ihre eigenen Regeln und ist nicht darauf beschränkt, auf das was man von ihr erwartet. Sie stellt Schönheit und Ästethik vor jegliche Propaganda oder Werbung. Ihre bevorzugten Medien sind Acryl und Tinte und - wie seit neuestem unterschiedliche selbstgenähte Plüschkreationen. Ebenso schreibt sie gerade an ihrem ersten Buch, dass Ende 2007 veröffentlicht werden soll. Brandi ist seit vier Jahren sehr gut eingebunden in der L.A. Kunstszene und hat schon in den größten Galerien dort ausgestellt inklusive der La Luz de Jesus, und der Corey Helford Galerie. Sie hat schon an zahllosen Gruppenausstellungen teilgenommen. Ihre erste solo Ausstellung hatte sie in der Corey Helford Galerie im November 2007. In den folgenden Jahren werden weitere Solo-ausstellungen folgen unter anderem mit Copro Nason and Thinkspace.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
MUNK ONE aka Jose A. Mercado ist ein zeitgenössischer amerikanischer Illustrator und Bildender Künstler, der bekannt ist für die Erstellung von Druckvorlagen für viele Major Label Bands wie Avenged Sevenfold, Bullet for my Valentine, Korn und My Chemical Romance. Er ist auch berühmt für die Zusammenarbeit mit weltweit renommierten Marken, die für ihre Kunst und Kreativität bekannt sind. Dazu gehören Upper Playground, Tribal Gear, True Love & False Idole und viele mehr. Seine Kunst gewinnt nach wie vor, ohne Anzeichen einer Abschwächung, sehr viel Aufmerksamkeit.
Das breite Spektrum der visuellen Ästhetik von Aya Kato besteht zum einen aus Manga und Anime, zum anderen aus der neuen Französischen- und der traditionellen japanischen Kunst. Hieraus lässt Aya Kato aus ganz gewöhnlichen Märchen oder Liebesgeschichten leidenschaftliche und lebendige Kunststücke entstehen. Als junge aufstrebende Künstlerin hatte Aya bereits ihr erstes Feuilleton im Magazin Beautiful/Decay. Gleichermaßen wurde Sie von Chubu Electric Power Co. beauftragt Window Displays zu entwerfen. Aya war maßgeblich eingebunden beim Design des Tori Amos Music Videos Sleeping with Butterflies. Aya ist fest davon überzeugt, dass sich Träume erfüllen werden, wenn man an sie glaubt.
Den Figuren in KuKulas Bildern ist der Herzschmerz förmlich auf den Leib geschneidert. Sie sind heikel, aber widerstandsfähige Puppen die gebeutelt werden durch die Seitenwinde der realen Welt. KuKula selbst, - geboren in einer kleinen Stadt in Israel später studierte später Illustration und Design in Tel Aviv. (Abschluss im Jahr 2003). Die Umgebung dieser Kleinstadt aus ihrer Kindheit prägten ihre Fantasie. Ihr Leben das mit ebenso verwurzelt ist mit der populären Kultur, sowie der Kultur ihrer älteren Nachbarn und Freunde - viele von ihnen waren Überlebende des Holocaust -. Ihre Bilder sind durchdrungen von der Spannung zwischen Verspieltheit und Trauer. KuKula zieht ihre ästhetische Inspiration aus einer Vielzahl von Quellen, einschließlich der von Kinderillustrationen z.B. Abbildungen von Holly Hobby und die Care Bears, Pin-up-Mädchen Kunst, sowie von deutschen Keramikpuppen. Im Jahr 2004 wechselte sie an die San Francisco Bay Area, wo sie derzeit lebt.
Joe Ledbetter ist bekannt für seine goldigen und chaotischen Cartoonzeichnungen und innovativen Spielzeugdesigns, deshalb konnte innerhalb von nur wenigen Jahren einen phänomenalen Aufstieg hinlegen. Der 29 jährige Kalifornier aus L.A. studierte Soziologie an der Humboldt State University. Er arbeitete drei Jahre als Graphik Designer für Textilien. Früher oder später wurde er Mitglied der L.A. Underground Kunstszene, wo er seine Werke vor der Gruppe ausstellte. Im Sommer 2004 war Ledbetter in der Lage seinen täglichen Job zu kündigen und sich fortan auf seine Kunstkarriere konzentrieren. Sein unverkennbar einzigartiger Stil fällt besonders durch dynamische Farben und Schatten, sowie dicke Linien und überzogene Charaktere auf. Ledbetters Arbeiten illustrieren völlig unnachsichtig die Realität des täglichen Lebens, gleichermaßen erinnert er uns daran manche Dinge nicht immer ganz so Ernst zu nehmen.
Jeremiah Ketner ist ein sog. Visual Künstler und lebt in Chicago. Ketner wurde inspiriert von Japanischer Ästhetik, Verpackungsdesign, Magazin-Werbung und Graffiti.
Auf Gruppenausstellungen in Los Angeles, New York, Seattle, Houston, Detroit und überall im mittleren Westen, wurden seine Werke zusammen mit unterschiedlichen Künstlern ausgestellt. Die Werke seiner neuen Schaffensperiode hingegen zeigen Ketner als Solokünstler in der Milwaukees Hotcakes Gallery. Er teilt sein sonniges, gemütliches Appartement mit seiner Frau seinem, kleinen Sohn und zwei Katzen wo sie es genießen Musik zu hören und dabei anderen Aktivitäten nachzugehen.
Caia Koopman ist in Kalifornien / Livermore geboren. Sie studierte Kunst und erwarb einen B.A. an der University Santa Cruz, Kalifornien, USA.
Caias Bilder wurden bisher oft kommerziell genutzt und seit vielen Jahren als Grafik für Snowboards, Skateboards und Wakeboards genutzt u.a. für große Firmen wie K2, Morrow und Hyperlite. Caias wurde auch von "MTV Sports" unterstützt als Sportler/Künstler wg. Ihres Snowboardings und Ihrer Malerei.
Caia hat ihre Bilder schon in einer Reihe von Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt in jüngster Zeit in der Galerie La Luz de Jesus in LA. Zur Zeit arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin und Malerin in Kalifornien/Oceanside.
Caia ist inspiriert von der Natur, Träumen, Politik und dem Leben.
1973 geboren in Riverside Kalifornien, hatte Steven ein sehr bewegtes Leben er pendelte zwischen Kalifornien und dem Amerikanischen Mittleren Westen diese Zeit prägte ihn sehr.
In diesen Jahren geschah es, dass seine Leidenschaft für Kunst entzündet wurde und sich dann wie ein Waldbrand entfachte. Nach seinem Abschluss auf der Bolsa Grande High School besuchte er das Riverside College und wurde dann versetzt nach Pasadena auf das Art Center College of Design. Unzufrieden mit der Art und Weise des Unterrichtes entwickelte er für sich einen Stil der seinen Vorstellungen auch authentisch entsprach. Graffiti spielte eine enorme Rolle während seines Lernprozesses, in dieser Zeit lernte er Geduld, Farbtheorie und Farbkomposition. 1997 wurde er auf Anraten seines früheren Professors zu einem Treffen mit einem Vorstand von Disney bewegt. Hier wurde Steven bewusst, dass seine Karriere als Künstler nun ernsthafte Formen annimmt. Stevens Arbeit ist extreme stylish denn seine Gemälde sind sehr emotional und sinnträchtig. Steve hat schon in diversen namhaften Galerien ausgestellt.
Bis heute hat er eine ansehnliche Anzahl an Arbeiten vorzuweisen. Mr. Daily arbeitet derzeit an neuen Projekten und ist sehr beschäftigt. In naher Zukunft werden wir also bald mehr von seinen Arbeiten sehen.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Amy Sol verbrachte Ihre Kindheit in Korea und zog dann um nach Las Vegas in Nevada. Dort lebt und arbeitet sie derzeit. Ihr Stil ist stark beeinflusst von einer Kombination aus Manga, Folk Art, altmodischer Illustration und modernem Design. Sie ist nach wie vor eine auto-didaktische Künstlerin. Über viele Jahre hinweg, hat sie viel Zeit mit dem richtigen mischen und herstellen einer Farbpalette verbracht die aus kaum merklichen und gedeckten Farben besteht. Sol arbeitet von Anfang bis Ende intuitiv an jedem Kunstwerk. Hierbei legt Sie großen Wert darauf, dass jeder Betrachter eine subjektive Interpretation oder Aussage über ihr Gemälde treffen soll. In Ihren Arbeiten erkennt man oft skurrile Landschaften, die bevölkert sind mit exotischen Pflanzen, Tieren oder Frauen. Inmitten der Charakteristik eines jeden Bildes, spürt man eine friedvolle Reflektion und Gemeinschaft.
Fünfzehn Jahre nach der Ankunft an der Westküste von New Mexico, hat sich Sam Flores, der eine Kunst-Schule besuchte , als autodidaktischer Illustrator längst seinen Platz in der modernen Kunst-Bewegung als ein Meister der feinen Kunst-und Produkt-Designer gesichert. Zu seinen Zeitgenossen zählen Shepard Fairey, Mike Giant, Jeremy Fish und David Choe; deren kollektive Arbeiten einen Weg geebnet haben, der für eine neue zugängliche Bewegung innerhalb der Volkskunst in der Welt steht. Sam Flores künstlerische Qualität ist unprätentiös, provokativ und berücksichtigt Anforderungen ohne eine Kategorisierung.
Im Einklang mit dem Styling seiner Graffiti-Kunst tragen Flores aktuelle Fine Art Arbeiten seine unverkennbare Unterschrift. Seine Stimme und Vision ist hier sofort erkennbar. Die exotischen Charaktere und seine natürlichen Landschaften für die er bekannt ist wirken üppig und akribisch. Flores weibliche Fatima Figuren sind oft in fließenden und drapierten Kleider in Übergröße zu sehen, deren Hände anmutig die körperlichen Rundungen begrüßen. Kindliche Figuren verziert mit Tier-Masken und komplizierten, fließenden sowie floralen Bouquets ergänzen seine Arbeiten. Zu seinen größten Einflüssen zählen: Der US-amerikanische Maler Michel Parkes & Maurice Sendak, Autor des klassischen Kinder-Märchenbuches: "Where the Wild Things Are". Weitere Einflüsse umfassen den Jugendstil des 19. Jh. der Stil Ikone Alphonse Mucha, sowie die des amerikanischen Poster Künstlers Derek Hess.
Tara McPherson ist eine Künstlerin mit Sitz in New York City. Sie erstellt Kunst über Menschen und die manchmal seltsamen Wege, welche diese gehen. Ihre Figuren scheinen zu strahlen durch idealisierte Unschuld deren hart verdiente Weisheit in den Augen erkennbar scheint. Unter Berücksichtigung vieler Fragen und Erlebnissen aus Ihrer Kindheit und natürlich der guten alten Lebenserfahrung, kreiert Sie Bilder, die anregend und verführerisch wirken. Die Menschen und deren Beziehungen sind für sie der rote Faden in ihren Arbeiten.
Tara stellt ihre Exponate, Bilder und Serigraphien in den Galerien auf der ganzen Welt aus. Außer dem Poster "Die Kronprinzessin" für dass ELLE Magazine, hat sie zahlreiche Gig Plakate für Rock-Bands wie Beck, Modest Mouse, und Melvins angefertigt. Ihr Array der Kunst erstreckt sich gleichermaßen auch auf gemalte Comics und Cover für DC Vertigo, sowie Werbung und redaktionelle Illustrationen für Unternehmen wie Pepsi, das Spin Magazine, der Schaffung von Spielzeug mit KidRobot, und dass unterrichten einer Lehr-Klasse in Parsons, New York City.
Tara, ist 1976 geboren in San Francisco und aufgewachsen in Los Angeles. Sie erhielt ihr BFA vom Art Center in Pasadena, CA im August 2001 sogar mit einer Auszeichnung für Illustration, sowie für zeitgenössische Kunst. Bis sie zum College ging, war sie eingebunden bei Matt Groenings Arbeiten für "Futurama" bei den Rough Draft Studios.
Tara McPherson ist eine Künstlerin mit Sitz in New York City. Sie erstellt Kunst über Menschen und die manchmal seltsamen Wege, welche diese gehen. Ihre Figuren scheinen zu strahlen durch idealisierte Unschuld deren hart verdiente Weisheit in den Augen erkennbar scheint. Unter Berücksichtigung vieler Fragen und Erlebnissen aus Ihrer Kindheit und natürlich der guten alten Lebenserfahrung, kreiert Sie Bilder, die anregend und verführerisch wirken. Die Menschen und deren Beziehungen sind für sie der rote Faden in ihren Arbeiten.
Tara stellt ihre Exponate, Bilder und Serigraphien in den Galerien auf der ganzen Welt aus. Außer dem Poster "Die Kronprinzessin" für dass ELLE Magazine, hat sie zahlreiche Gig Plakate für Rock-Bands wie Beck, Modest Mouse, und Melvins angefertigt. Ihr Array der Kunst erstreckt sich gleichermaßen auch auf gemalte Comics und Cover für DC Vertigo, sowie Werbung und redaktionelle Illustrationen für Unternehmen wie Pepsi, das Spin Magazine, der Schaffung von Spielzeug mit KidRobot, und dass unterrichten einer Lehr-Klasse in Parsons, New York City.
Tara, ist 1976 geboren in San Francisco und aufgewachsen in Los Angeles. Sie erhielt ihr BFA vom Art Center in Pasadena, CA im August 2001 sogar mit einer Auszeichnung für Illustration, sowie für zeitgenössische Kunst. Bis sie zum College ging, war sie eingebunden bei Matt Groenings Arbeiten für "Futurama" bei den Rough Draft Studios.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Kozyndan bezeichnen sich als verrückte Wissenschaftler aus Los Angeles,
die an einer geheimen Formel für die kontrollierte Kernfusion arbeiten sowie an der Erschaffung einer Linie von genießbaren Hühnern. Nur so zum Spaß holen sie tief Luft und tauchen mit Ihren Köpfen in große Gläser mit Himbeergelee oder Zitronen Quark. Sie leben in einem Haus und bemalen nicht Ihre Wände. Das Paar arbeitet ebenso als freiberufliche Illustratoren.
In Philadelphia geboren, aber aufgewachsen in Fresno,s begann Luke Chueh (sprich: CHU) seine formelle künstlerische Ausbildung und beendete sie an der California Polytechnic State University, San Luis Obipso wo er seinen BS in Kunst & Design (Grafik-Design-Konzentration) erwarb. Vor seinem Studium war er bei der Ernie Ball-Gesellschaft als Designer / Illustrator tätig. Chueh war hier schon verantwortlich für etliche preisgekrönte Designs und wurde in die Gestaltung der einjährigen Communication Arts-and-Print-Magazine eingebunden. Gleichzeitig erstellt, produziert, schreibt, konzipiert, bearbeitet und veröffentlicht "EXP", ein "Magazine das sich dem " Intelligent Dance Music (IDM) "Genre widmet.
2003, zog Chueh nach Los Angeles um seine Karriere im Bereich des Designs weiter zu verfolgen. Aus Mangel an Beschäftigungsmöglichkeiten nutzte er die Malerei als eine Möglichkeit sich zu beschäftigen. Seine Karriere als Künstler begann bei der Los Angeles U-Kunst Premiereausstellung bei Cannibal Blumen, für die er eine Einladung erhielt monatlich seine Werke zu präsentieren. Seitdem hat Chueh es schnell geschafft seinen Weg bis in die Reihen der LA Kunstszene zu finden und kann als etablierter Künstler nicht mehr außer Acht gelassen werden. Durch den Einsatz minimaler Farbschemata und den einfachen tierischen Charakteren, sowie der scheinbar nicht enden wollenden Liste von unglücklichen Situationen, balancieren Chuehs Werke stilistisch zwischen niedlich und brutal und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und Tragödie.
Seit kurzem genießt Heather Haynes internationale Aufmerksamkeit. Zwischenzeitlich sind viele etablierte Kunstsammler auf der Suche nach Ihren original Werken.
Heather wurde in einer Reihe von ausgewählten Galerien in ganz Kanada, Großbritannien und den Vereinigten Staaten mit ihren Werken ausgestellt. Ihre original Werke befinden sich schon in vielen Unternehmens- und Privatsammlungen.
Von Kindesbeinen an, zeichnete Nathan T. Ota Bilder. Alles begann mit dem Nachzeichnen von Cartoons, Comics, Fotographien oder von Punk Rock Flyern während seiner Hausaufgaben. Nathans erste Einflüsse bekam er durch die Kalender von Frank Frazetta und Vampirella Comics seines ‰lteren Bruders. Sein Vater unterstützte seine Liebe zum zeichnen und der Kunst von jeher. In den 80 er Jahren entdeckte Nathan das Medium Graffiti um sich und seiner Kunst Ausdruck zu verleihen. Dieser Einfluss durchdringt seine Arbeiten auch heute noch. Er arbeitet als freiberuflicher Illustrator und lehrt am Otis College of Art and Design in Kalifornien sowie am Santa Monika College in Kalifornien. Darüber hinaus hat er schon einige CD Cover illustriert unter anderem Henry Rollins The Boxed Life, Big Ugly Mouth, Sweatbox, Live at MC Cabeís und Human Butt. Zu seinen Kunden zählen ebenso The Los Angeles Times, New York Times, Wall Street Journal, Virgin Interactive, Capitol Records und 2.13.61 Publication. Ota lebt und wurde geboren in Los Angeles. Sein Diplom als Illustrator erhielt er 1993 am Art Center College of Design in Pasadena Kalifornien.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
Ric Stultz Farben malt täglich in seinem Home Office-Studio in Milwaukee, WI. Er verbringt mit sehr viel Muse den Großteil seiner Zeit mit antiquierten elektronischen Dingen. Seine Arbeiten, reisten zwischenzeitlich mehr als er selbst. Seine Werke wurden schon in den exotischsten Einheimischen Galerien einschließlich Amsterdam, Kopenhagen, London und Barcelona ausgestellt.
Zu seinem Lieblingszeitvertreib gehört dass Sammeln, von Musikaufnahmen und das spazieren gehen mit seinem Hund, oder einfach Dinge auseinanderzubauen, und gerne laut zu lachen.
Ric Stultz Farben malt täglich in seinem Home Office-Studio in Milwaukee, WI. Er verbringt mit sehr viel Muse den Großteil seiner Zeit mit antiquierten elektronischen Dingen. Seine Arbeiten, reisten zwischenzeitlich mehr als er selbst. Seine Werke wurden schon in den exotischsten Einheimischen Galerien einschließlich Amsterdam, Kopenhagen, London und Barcelona ausgestellt.
Zu seinem Lieblingszeitvertreib gehört dass Sammeln, von Musikaufnahmen und das spazieren gehen mit seinem Hund, oder einfach Dinge auseinanderzubauen, und gerne laut zu lachen.
Blaines Interessen und Inspirationen kommen aus der Folklore, der Mythologie - aus 60 er Jahre Design Büchern und aus dem Tierreich sowie seiner Vorliebe für Japanische Drucktechniken. Er lebt derzeit in Bainbridge Island, Washington als Künstler, Illustrator und Grafik Designer mit seiner Frau Eugenie Jolivett, welche gleichzeitig seine Managerin ist.
Alex Pardee einzigartiger Stil ist konzipiert durch Jahrelanges schauen von Horrorfilmen, Graffitis zu sprayen sowie, das Hören von Gangster-Rap. Er ist am besten bekannt für seine selbst herausgegeben U-Comics und Kalender, wie z. B. "Bunnywith" & "Schnarchen Blood". Zusammen mit seinen Ausstellungen in Galerien, wo seine Stücke oft zum Leben erweckt werden, indem sie mit zufälligen Formen und Farben die Anzeichen von Qual und Absurdität aufzeigen. Durch die Gegenüberstellung dieser beiden gegensätzlichen Stimmungen, macht Alex seine Werke für den Zuschauer persönlicher indem sie gezwungen werden, ihre eigenen Gefühle und Emotionen in verdrehtes Universum zu projizieren.
Außer seiner Vorliebe Prominente zu erniedrigen, verwendet Alex seine Kunst als Mittel der Selbst-Medikation, mittels der Erschaffung emotional geladener Bilder auf Leinwänden, Skizzenbüchern, sowie alle anderen Oberflächen auf welche sich seine bizarren Zeichnungen aufbringen lassen.
Ich glaube bis heute an die Magie der Kindheit und denke, dass dein Leben mit dieser Magie endlos erscheint. Ich glaube das ein Kinderbuch für Erwachsene kein Genuss ist, weil entweder das Buch nicht gut ist oder andererseits etwas nicht stimmt mit der Art und Weise, wie ein Erwachsener das Buch interpretiert. Das ist natürlich der elegante Weg zu sagen, dass ich nicht erwachsen werden will.
Meine Lieblingsfrüchte sind Kirschen, und meine Musik ist Rock and Roll und ich mag alte Blues Schallplatten. Ich bin ein Australischer Mitbürger, ein Linkshänder und farbenblind.
Si Scott ist ein Graphik Designer und Illustrator und die treibende Kraft bei den in UK ansässigen SI Studios. Seine mit Tinte und Bleistift handgemalten Typographien und Graphikdesigns wirken obsessiv und verknüpfen moderne mit traditionellen Einflüssen. Zu seinen Klienten zählen beispielsweise: BBC TV, Burton, GQ, Hugo Boss, MTV, Unicef und VOLVO.
H.R. Giger ist einer der weltweit führenden Künstler des phantastischen Realismus.
H. R. Giger wurde am 05.02.1940 als Sohn des Apothekers Hans Richard Giger und seiner Frau Melly Giger geboren. Als Kind war er sehr scheu und zurückhaltend. Er wurde katholisch erzogen, was seine Kunst später beeinflusste. Nach Abschluss des Gymnasiums studierte er ab 1962 Architektur und Industriedesign an der Hochschule für Angewandte Kunst in Zürich. Im Jahr 1966 etablierte er sich als Innenarchitekt. Bereits 1968 war er ausschließlich als Künstler und Filmemacher tätig.
Ab 1960 wurden Tuschezeichnungen von Giger in Schülerzeitungen und Untergrundzeitschriften veröffentlicht. Ab 1966 entstanden die ersten Gemälde Gigers, die meisten davon in Öl. Als Giger 1972 die Spritzpistole (Airbrush) für sich entdeckte, wurde dies seine bevorzugte Malweise. In den folgenden 20 Jahren entstanden etwa 600 Gemälde mit Tusche und Acrylfarben, einige davon über vier Meter breit. Anfang der neunziger Jahre gab Giger die Malerei auf, um sich ganz dem dreidimensionalen Schaffen zu widmen.
Gigers Werke können dem Surrealismus zugerechnet werden; im Vergleich zu dem berühmtesten Vertreter dieser Stilrichtung, Salvador Dali, wird deutlich, wie anders der Blickwinkel Gigers auf die Welt ist. Einflüsse des Phantastischen Realismus leiten sich auch durch die Freundschaft zu Vertretern der Wiener Schule des Phantastischen Realismus wie Ernst Fuchs her. Wiederkehrendes Thema seiner Werke ist der von ihm geprägte Begriff der Biomechanoiden, der im Lebendigen primär das Mechanische betont und im Zusammenspiel mit sexuellen Andeutungen auf den Betrachter oft verstörend bis morbide wirkt. Neben seinem wichtigen malerischen Werk gestaltet der Künstler auch Grafiken, Skulpturen und Möbel.