"Gemeinsam mit den nachfolgenden Unternehmen haben wir unsere Galerie um eine gewaltige Anzahl neuer Kunstwerke erweitert. Klickt euch rein in die neue wunderbare Welt von GelaSkins!"
Mars I lädt seine Betrachter dazu ein, ihre eigene Vorstellungskraft zu benutzen und sich seine eigenen Geschichten über seine Gemälde zu erzählen.
Mars I Absicht ist es mit seinen Gemälden die immaterielle Welt in die Existenz des Betrachters zu führen. Er selbst beschreibt es als das Erforschen des sechsten Sinnes oder der außersinnlichen Wahrnehmungen und Stufen der Realität welche ausgefiltert wird in der Absicht einer modernen Gesellschaft. Er begreift diese abstrakte Qualität der Existenz als etherische Landschaften. Es gibt soviele Dinge die wir nicht verstehen, deshalb ist es einfach Scheuklappen aufzusetzen und einen begrenzten Blick auf die Dinge zu haben die wir erkennen, anstatt eine offene Wahrnehmung zu behalten.
Geboren 1970 außerhalb von Washington D.C. als Sohn eines Hippies und als der jüngste von drei Geschwistern. Meine ersten Einführungen in die Welt der Kunst, erhielt ich von meinem Vater, der Professor für Kunst (Malerei & Bildhauerei) auf der University of Maryland war. Im realen Leben arbeitete ich in New York City als Designer und freiberuflicher Illustrator. Meine Nächte verbrachte ich gebeugt über der Mouse und meinem Computer Keyboard, wo ich meine Pastellfarbenen "Werke des Wahnsinns" entwickelte während ich mit meiner kleinen Tochter Cartoons anschaute. Darüber hinaus sammle ich völlig überteuerte Designer Spielsachen.
Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.
Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.
Kenji Hiratas Artwork ist in Form und Farbe sehr stark von der Natur, der Musik und von der handgezeichneten Werbung Südostasiens sowie dem Futurimus inspiriert. Das Thema, welches während der Arbeit durch seinen Körper abläuft ist eine Geschichte die er selbst geschaffen hat, in welchem ein eigenes ganzes Universum existiert. Seine Gemälde, Zeichnungen und Filme bieten Einblicke in dieses Universum.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Ivy mischt sinnliche Materialien wie Bronze Puder und mineralische Pigmente mit ihren Ölen und schafft daraus reich schillernde Bilder, welche die Schönheit und das Geheimnis der natürlichen Welt und der Natur vermitteln. Ivy verliert sich dabei völlig in ihrer Phantasie, und lässt so fantastische, organische Formen und neue Elemente der Flora und Fauna entstehen, diese tragen den unendlichen Möglichkeiten der Natur Rechenschaft.
Ivy studierte Malerei und Druckgrafik am San Francisco Art Institute sowie
an der San Francisco State University. Hier erhielt Sie Ihren Bachelor - Abschluss. Ivys Gemälde wurden schon überall in den Vereinigten Staaten ausgestellt, unter anderem in San Francisco, Los Angeles, New York uvm. Hierdurch konnte Sie schon auf der ganzen Welt Sammler für Ihre Werke gewinnen. Ivy lebt in Oakland, Kalifornien und arbeitet jeweils in ihren Ateliers in Oakland und San Francisco.
Ivy mischt sinnliche Materialien wie Bronze Puder und mineralische Pigmente mit ihren Ölen und schafft daraus reich schillernde Bilder, welche die Schönheit und das Geheimnis der natürlichen Welt und der Natur vermitteln. Ivy verliert sich dabei völlig in ihrer Phantasie, und lässt so fantastische, organische Formen und neue Elemente der Flora und Fauna entstehen, diese tragen den unendlichen Möglichkeiten der Natur Rechenschaft.
Ivy studierte Malerei und Druckgrafik am San Francisco Art Institute sowie
an der San Francisco State University. Hier erhielt Sie Ihren Bachelor - Abschluss. Ivys Gemälde wurden schon überall in den Vereinigten Staaten ausgestellt, unter anderem in San Francisco, Los Angeles, New York uvm. Hierdurch konnte Sie schon auf der ganzen Welt Sammler für Ihre Werke gewinnen. Ivy lebt in Oakland, Kalifornien und arbeitet jeweils in ihren Ateliers in Oakland und San Francisco.
Tula Pink ist eine amerikanische Textil-Designerin mit einem schier unerschöpflichen Fundus an Drucken und Mustern.
Sie spielt mit Bildern auf eine Art und Weise wie ein Dichter mit Worten spielt. Scheinbar harmlose traditionelle Designs werden beispielsweise von ihr mit schelmischen kleinen Lebewesen versehen, sowie mit künstlerischem Esprit verfeinert und avancieren damit zu echten Hinguckern.
Tula Pink lebt auf einem Bauernhof in der Mitte von Nirgendwo. Nicht einmal auf einer Karte ist Ihr Ort verzeichnet so verlässt sie nur selten das Haus, aus Angst dass sie verloren gehen könnte. So verbringt Sie ihre Tage mit zeichnen und nähen. Von hier aus hat sie bereits über 200 Stoff-Designs entworfen und produziert, die weltweit verkauft werden.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.
Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.
Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.
Paul McGuire lebt in Austin, Texas und ist ein Software-Entwickler und Künstler. Seit Mitte der 1970er Jahre schreibt er Computerprogramme. Mitte der 80er Jahre begann Paul mit fraktalen Verzerrungen von Rechtecken und Dreiecken zu experimentieren und schuf so Pseudo-3D-Bilder aus 2D-Transformationen. Doch damals waren die Bilder nur monochrome Gitter und die verfügbaren Auflösungen waren sehr primitiv. Im Jahr 2008 kam Paul auf sein altes Computerprogramm aus den 1980er Jahren zurück und benutzte es diesmal, um den Prozess der Farbspektren bei seinen fraktalen Verzerrungen mit sehr hohen Auflösungen zu realisieren. Das Resultat sind Bilder deren Muster verblüffende, natürliche Bilder evozieren – so als stammen sie direkt aus der Natur.
Beispielsweise wie der Weg eines Blitzes durch die Luft, oder die Gestaltung einer Küste, eines Bergrückens. - Wogende Wolken in einem Sturm, Rauch eines Feuers, die Strömung von Wasser, oder Formen einer Anhöhe.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Caia Koopman ist in Kalifornien / Livermore geboren. Sie studierte Kunst und erwarb einen B.A. an der University Santa Cruz, Kalifornien, USA.
Caias Bilder wurden bisher oft kommerziell genutzt und seit vielen Jahren als Grafik für Snowboards, Skateboards und Wakeboards genutzt u.a. für große Firmen wie K2, Morrow und Hyperlite. Caias wurde auch von "MTV Sports" unterstützt als Sportler/Künstler wg. Ihres Snowboardings und Ihrer Malerei.
Caia hat ihre Bilder schon in einer Reihe von Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt in jüngster Zeit in der Galerie La Luz de Jesus in LA. Zur Zeit arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin und Malerin in Kalifornien/Oceanside.
Caia ist inspiriert von der Natur, Träumen, Politik und dem Leben.
Joan Saló stammt ursprünglich aus der Stadt Igualada außerhalb von Barcelona. Im Jahr 2001 zog er jedoch nach Barcelona um bildende Kunst zu studieren. Von dort aus wechselte er dann, um weiter zu studieren nach Sevilla und Bologna. Zu diesem Zeitpunkt in seiner Karriere entwickelten sich seine Arbeiten hin zu einem - bildnerischen fühlen -.
Im Jahr 2008 entwickelte er seine Arbeit auf dem gleichen Weg weiter. Inspirationen hierfür erhielt er aus der Umgebung der irischen Stadt Galway. Das Zentrum seiner jüngsten Werke will die Aspekte der Flüchtigkeit von Zeit darstellen, sowie deren Strukturen im abstrakten Sinn. Joan lebt und arbeitet derzeit in Barcelona und Berlin.
Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.
In Philadelphia geboren, aber aufgewachsen in Fresno,s begann Luke Chueh (sprich: CHU) seine formelle künstlerische Ausbildung und beendete sie an der California Polytechnic State University, San Luis Obipso wo er seinen BS in Kunst & Design (Grafik-Design-Konzentration) erwarb. Vor seinem Studium war er bei der Ernie Ball-Gesellschaft als Designer / Illustrator tätig. Chueh war hier schon verantwortlich für etliche preisgekrönte Designs und wurde in die Gestaltung der einjährigen Communication Arts-and-Print-Magazine eingebunden. Gleichzeitig erstellt, produziert, schreibt, konzipiert, bearbeitet und veröffentlicht "EXP", ein "Magazine das sich dem " Intelligent Dance Music (IDM) "Genre widmet.
2003, zog Chueh nach Los Angeles um seine Karriere im Bereich des Designs weiter zu verfolgen. Aus Mangel an Beschäftigungsmöglichkeiten nutzte er die Malerei als eine Möglichkeit sich zu beschäftigen. Seine Karriere als Künstler begann bei der Los Angeles U-Kunst Premiereausstellung bei Cannibal Blumen, für die er eine Einladung erhielt monatlich seine Werke zu präsentieren. Seitdem hat Chueh es schnell geschafft seinen Weg bis in die Reihen der LA Kunstszene zu finden und kann als etablierter Künstler nicht mehr außer Acht gelassen werden. Durch den Einsatz minimaler Farbschemata und den einfachen tierischen Charakteren, sowie der scheinbar nicht enden wollenden Liste von unglücklichen Situationen, balancieren Chuehs Werke stilistisch zwischen niedlich und brutal und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und Tragödie.
We kill you unerstützt keinesfalls Gewalt. Der Name ist zu vergleichen mit dem Idiom:"Ich lach mich tot" Gegründet wurde WKY in Toronto, dass Team besteht aus The Ghost, The Bat, The Sasquatch, The Bunny, The Bear, und The Ape, deren Internsion es ist ein Lächeln auf Euer Gesicht zu zaubern. WKY ist ein Dekorations Projekt, welches Möbel und auch Sperrmüll recycled. Andererseits verschönern sie die Wände in den Straßen mit Ihren Collagen getreu nach dem Motto:"Wir wollen die Welt zu einem glücklicheren Ort machen".
Nanami Cowdroy ist in Sydney, Australien geboren mit einer erblichen Bindung an europäische und japanische Wurzeln. Das Aufwachsen in solch kontrastreichen Kulturen und Umgebungen beeinflusste natürlich nachhaltig die Kunst von Nanami. Dies unterstützte Sie zusätzlich durch ein Studium in Graphik Design und visueller Kommunikation. Das ineinander verzahnen komplexer Charakteristiken und detailreicher Objekte hinterlässt eine hypnotische und fesselnde Wirkung beim Betrachter. Ihre exotischen Werke reflektieren die Zusammenstellung familiärer und fremdkultureller Wesenheiten. Ihre Vorstellungen sind illustriert und reichen von emotional bis durchdacht und intuitiv verworren. Nanami fühlt sich künstlerisch hingezogen zu Subjekten, die oberflächlich betrachtet filigran und zerbrechlich erscheinen. Dank der hand-gezeichneten Motive und Ihrer Tuschetechnik verleiht sie diesen Subjekten dann eine bemerkenswerte Stärke und Fülle.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.
Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.
Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.
Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.
Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.
In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.
Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.