Marc Gabbana
San Francisco, USA

Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.

Marc Gabbana
San Francisco, USA

Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.

Brian Viveros

Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.

Brian Viveros

Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.

Heather Haynes
Kingston, Ontario

Seit kurzem genießt Heather Haynes internationale Aufmerksamkeit. Zwischenzeitlich sind viele etablierte Kunstsammler auf der Suche nach Ihren original Werken.

Heather wurde in einer Reihe von ausgewählten Galerien in ganz Kanada, Großbritannien und den Vereinigten Staaten mit ihren Werken ausgestellt. Ihre original Werke befinden sich schon in vielen Unternehmens- und Privatsammlungen.

Alex Noriega
Barcelona, Spanien

Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.

Ralph Steadman
Wallasey, Großbritannien

Steadman ist berühmt für seine sozialen und politischen Karikaturen und Cartoons, darüber hinaus zählt eine große Anzahl an Illustrationen für etliche Bücher zu seinen Werken. Ebenso hat er viele Auszeichnungen erhalten unter anderem: Für Francis Williams Book Illustration, Alice in Wonderland, the American Society of Illustrators Certificate of Merit, den W H Smith Illustration Award für I Leonardo, the Dutch Silver Paintbrush Award für Inspector Mouse, den Italian Critica in Erba Prize für Thats My Dad, den BBC Design Award für postage stamps, den Black Humour Award in Frankreich sowie den Art Designer Association Award. 1979 wurde er vom American Institute of Geographic Arts zum Designer des Jahres gekürt. Steadman verbindet eine langjährige Freunschaft mit dem amerikanischen Journalisten Hunter S. Thompson, für den er einige Bilder seiner Artikel und Bücher gemacht hat. Er begleitete Thompson zum Kentucky Derby für einen Artikel des Magazins Scanlan’s und zum Honolulu Marathon für das Magazin "Running" Ebenso illustrierte er das Buch Fear and Loathing in Las Vegas sowie Fear and Loathing on the Campaign Trail 72.

Ralph Steadman
Wallasey, Großbritannien

Steadman ist berühmt für seine sozialen und politischen Karikaturen und Cartoons, darüber hinaus zählt eine große Anzahl an Illustrationen für etliche Bücher zu seinen Werken. Ebenso hat er viele Auszeichnungen erhalten unter anderem: Für Francis Williams Book Illustration, Alice in Wonderland, the American Society of Illustrators Certificate of Merit, den W H Smith Illustration Award für I Leonardo, the Dutch Silver Paintbrush Award für Inspector Mouse, den Italian Critica in Erba Prize für Thats My Dad, den BBC Design Award für postage stamps, den Black Humour Award in Frankreich sowie den Art Designer Association Award. 1979 wurde er vom American Institute of Geographic Arts zum Designer des Jahres gekürt. Steadman verbindet eine langjährige Freunschaft mit dem amerikanischen Journalisten Hunter S. Thompson, für den er einige Bilder seiner Artikel und Bücher gemacht hat. Er begleitete Thompson zum Kentucky Derby für einen Artikel des Magazins Scanlan’s und zum Honolulu Marathon für das Magazin "Running" Ebenso illustrierte er das Buch Fear and Loathing in Las Vegas sowie Fear and Loathing on the Campaign Trail 72.

Norman Rockwell
New York, USA

Im Jahre 1916 veröffentlichte der damals 22-jährige Norman Rockwell sein erstes Cover in The Saturday Evening Post, welches seinerzeit für einen Illustrator als Höhepunkt und große Anerkennung seiner Leistung galt. Während eines ersten gemeinsamen Treffens vereinbarten George Horace Lorimer, - damals Herausgeber der The Saturday Evening Post, - dass Rockwell zwei fertige Gemälde für deren Verwendung genehmigte. sowie drei weitere Skizzen für deren zukünftigen Gebrauch freigab. Dieser entscheidende Moment gab die Bühne frei für eine 47 Jahre währende professionelle Allianz. Diese trug wesentlich zur Schaffung von weiteren rund 400 weltweit geliebten Kunst Bildern bei. Rockwells meisterhafte Illustrationen für die "Saturday Evening Post umfasst 322 Titelcover sowie Dutzende Illustrationen zu Geschichten. Heute sind diese Werke Zeugen aus einer Zeit der amerikanischen Geschichte, welche die guten Werte wie beispielsweise Familie, Ehrlichkeit und viele weitere traditionellen Tugenden reflektiert. Damit sind diese Bilder visuelle Prüfsteine für uns und sprechen vertraute Orte im Herzen an. Seit fast einem halben Jahrhundert, spiegeln Rockwells Gemälde die damals amerikanischen Erfahrungen wider. Er malte dieses Land und seine Menschen mit einer unerschrockenen Offenheit und Schärfe, welche gleichsam als Chronik für unser heutiges Leben unsere Träume sowie unsere Hoffnungen zu verstehen sind.

Norman Rockwell
New York, USA

Im Jahre 1916 veröffentlichte der damals 22-jährige Norman Rockwell sein erstes Cover in The Saturday Evening Post, welches seinerzeit für einen Illustrator als Höhepunkt und große Anerkennung seiner Leistung galt. Während eines ersten gemeinsamen Treffens vereinbarten George Horace Lorimer, - damals Herausgeber der The Saturday Evening Post, - dass Rockwell zwei fertige Gemälde für deren Verwendung genehmigte. sowie drei weitere Skizzen für deren zukünftigen Gebrauch freigab. Dieser entscheidende Moment gab die Bühne frei für eine 47 Jahre währende professionelle Allianz. Diese trug wesentlich zur Schaffung von weiteren rund 400 weltweit geliebten Kunst Bildern bei. Rockwells meisterhafte Illustrationen für die "Saturday Evening Post umfasst 322 Titelcover sowie Dutzende Illustrationen zu Geschichten. Heute sind diese Werke Zeugen aus einer Zeit der amerikanischen Geschichte, welche die guten Werte wie beispielsweise Familie, Ehrlichkeit und viele weitere traditionellen Tugenden reflektiert. Damit sind diese Bilder visuelle Prüfsteine für uns und sprechen vertraute Orte im Herzen an. Seit fast einem halben Jahrhundert, spiegeln Rockwells Gemälde die damals amerikanischen Erfahrungen wider. Er malte dieses Land und seine Menschen mit einer unerschrockenen Offenheit und Schärfe, welche gleichsam als Chronik für unser heutiges Leben unsere Träume sowie unsere Hoffnungen zu verstehen sind.

Norman Rockwell
New York, USA

Im Jahre 1916 veröffentlichte der damals 22-jährige Norman Rockwell sein erstes Cover in The Saturday Evening Post, welches seinerzeit für einen Illustrator als Höhepunkt und große Anerkennung seiner Leistung galt. Während eines ersten gemeinsamen Treffens vereinbarten George Horace Lorimer, - damals Herausgeber der The Saturday Evening Post, - dass Rockwell zwei fertige Gemälde für deren Verwendung genehmigte. sowie drei weitere Skizzen für deren zukünftigen Gebrauch freigab. Dieser entscheidende Moment gab die Bühne frei für eine 47 Jahre währende professionelle Allianz. Diese trug wesentlich zur Schaffung von weiteren rund 400 weltweit geliebten Kunst Bildern bei. Rockwells meisterhafte Illustrationen für die "Saturday Evening Post umfasst 322 Titelcover sowie Dutzende Illustrationen zu Geschichten. Heute sind diese Werke Zeugen aus einer Zeit der amerikanischen Geschichte, welche die guten Werte wie beispielsweise Familie, Ehrlichkeit und viele weitere traditionellen Tugenden reflektiert. Damit sind diese Bilder visuelle Prüfsteine für uns und sprechen vertraute Orte im Herzen an. Seit fast einem halben Jahrhundert, spiegeln Rockwells Gemälde die damals amerikanischen Erfahrungen wider. Er malte dieses Land und seine Menschen mit einer unerschrockenen Offenheit und Schärfe, welche gleichsam als Chronik für unser heutiges Leben unsere Träume sowie unsere Hoffnungen zu verstehen sind.

Norman Rockwell
New York, USA

Im Jahre 1916 veröffentlichte der damals 22-jährige Norman Rockwell sein erstes Cover in The Saturday Evening Post, welches seinerzeit für einen Illustrator als Höhepunkt und große Anerkennung seiner Leistung galt. Während eines ersten gemeinsamen Treffens vereinbarten George Horace Lorimer, - damals Herausgeber der The Saturday Evening Post, - dass Rockwell zwei fertige Gemälde für deren Verwendung genehmigte. sowie drei weitere Skizzen für deren zukünftigen Gebrauch freigab. Dieser entscheidende Moment gab die Bühne frei für eine 47 Jahre währende professionelle Allianz. Diese trug wesentlich zur Schaffung von weiteren rund 400 weltweit geliebten Kunst Bildern bei. Rockwells meisterhafte Illustrationen für die "Saturday Evening Post umfasst 322 Titelcover sowie Dutzende Illustrationen zu Geschichten. Heute sind diese Werke Zeugen aus einer Zeit der amerikanischen Geschichte, welche die guten Werte wie beispielsweise Familie, Ehrlichkeit und viele weitere traditionellen Tugenden reflektiert. Damit sind diese Bilder visuelle Prüfsteine für uns und sprechen vertraute Orte im Herzen an. Seit fast einem halben Jahrhundert, spiegeln Rockwells Gemälde die damals amerikanischen Erfahrungen wider. Er malte dieses Land und seine Menschen mit einer unerschrockenen Offenheit und Schärfe, welche gleichsam als Chronik für unser heutiges Leben unsere Träume sowie unsere Hoffnungen zu verstehen sind.

Norman Rockwell
New York, USA

Im Jahre 1916 veröffentlichte der damals 22-jährige Norman Rockwell sein erstes Cover in The Saturday Evening Post, welches seinerzeit für einen Illustrator als Höhepunkt und große Anerkennung seiner Leistung galt. Während eines ersten gemeinsamen Treffens vereinbarten George Horace Lorimer, - damals Herausgeber der The Saturday Evening Post, - dass Rockwell zwei fertige Gemälde für deren Verwendung genehmigte. sowie drei weitere Skizzen für deren zukünftigen Gebrauch freigab. Dieser entscheidende Moment gab die Bühne frei für eine 47 Jahre währende professionelle Allianz. Diese trug wesentlich zur Schaffung von weiteren rund 400 weltweit geliebten Kunst Bildern bei. Rockwells meisterhafte Illustrationen für die "Saturday Evening Post umfasst 322 Titelcover sowie Dutzende Illustrationen zu Geschichten. Heute sind diese Werke Zeugen aus einer Zeit der amerikanischen Geschichte, welche die guten Werte wie beispielsweise Familie, Ehrlichkeit und viele weitere traditionellen Tugenden reflektiert. Damit sind diese Bilder visuelle Prüfsteine für uns und sprechen vertraute Orte im Herzen an. Seit fast einem halben Jahrhundert, spiegeln Rockwells Gemälde die damals amerikanischen Erfahrungen wider. Er malte dieses Land und seine Menschen mit einer unerschrockenen Offenheit und Schärfe, welche gleichsam als Chronik für unser heutiges Leben unsere Träume sowie unsere Hoffnungen zu verstehen sind.

Joan Salo
Barcelona, Spanien

Joan Saló stammt ursprünglich aus der Stadt Igualada außerhalb von Barcelona. Im Jahr 2001 zog er jedoch nach Barcelona um bildende Kunst zu studieren. Von dort aus wechselte er dann, um weiter zu studieren nach Sevilla und Bologna. Zu diesem Zeitpunkt in seiner Karriere entwickelten sich seine Arbeiten hin zu einem - bildnerischen fühlen -.
Im Jahr 2008 entwickelte er seine Arbeit auf dem gleichen Weg weiter. Inspirationen hierfür erhielt er aus der Umgebung der irischen Stadt Galway. Das Zentrum seiner jüngsten Werke will die Aspekte der Flüchtigkeit von Zeit darstellen, sowie deren Strukturen im abstrakten Sinn. Joan lebt und arbeitet derzeit in Barcelona und Berlin.

Derek Prospero
Tampa, USA

Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.

Derek Prospero
Tampa, USA

Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.

Philip Straub,
Santa Monica, USA

Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.

Philip Straub,
Santa Monica, USA

Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.

Lawrence Yang
San Francisco, US

Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.

Luke Chueh
Los Angeles, California

In Philadelphia geboren, aber aufgewachsen in Fresno,s begann Luke Chueh (sprich: CHU) seine formelle künstlerische Ausbildung und beendete sie an der California Polytechnic State University, San Luis Obipso wo er seinen BS in Kunst & Design (Grafik-Design-Konzentration) erwarb. Vor seinem Studium war er bei der Ernie Ball-Gesellschaft als Designer / Illustrator tätig. Chueh war hier schon verantwortlich für etliche preisgekrönte Designs und wurde in die Gestaltung der einjährigen Communication Arts-and-Print-Magazine eingebunden. Gleichzeitig erstellt, produziert, schreibt, konzipiert, bearbeitet und veröffentlicht "EXP", ein "Magazine das sich dem " Intelligent Dance Music (IDM) "Genre widmet.

2003, zog Chueh nach Los Angeles um seine Karriere im Bereich des Designs weiter zu verfolgen. Aus Mangel an Beschäftigungsmöglichkeiten nutzte er die Malerei als eine Möglichkeit sich zu beschäftigen. Seine Karriere als Künstler begann bei der Los Angeles U-Kunst Premiereausstellung bei Cannibal Blumen, für die er eine Einladung erhielt monatlich seine Werke zu präsentieren. Seitdem hat Chueh es schnell geschafft seinen Weg bis in die Reihen der LA Kunstszene zu finden und kann als etablierter Künstler nicht mehr außer Acht gelassen werden. Durch den Einsatz minimaler Farbschemata und den einfachen tierischen Charakteren, sowie der scheinbar nicht enden wollenden Liste von unglücklichen Situationen, balancieren Chueh’s Werke stilistisch zwischen niedlich und brutal und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und Tragödie.

CARNOVSKY
Mailand, Italien

Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.

Design von GelaSkins

Design von GelaSkins

Alex Pardee
San Francisco

Alex Pardee einzigartiger Stil ist konzipiert durch Jahrelanges schauen von Horrorfilmen, Graffitis zu sprayen sowie, das Hören von Gangster-Rap. Er ist am besten bekannt für seine selbst herausgegeben U-Comics und Kalender, wie z. B. "Bunnywith" & "Schnarchen Blood". Zusammen mit seinen Ausstellungen in Galerien, wo seine Stücke oft zum Leben erweckt werden, indem sie mit zufälligen Formen und Farben die Anzeichen von Qual und Absurdität aufzeigen. Durch die Gegenüberstellung dieser beiden gegensätzlichen Stimmungen, macht Alex seine Werke für den Zuschauer persönlicher indem sie gezwungen werden, ihre eigenen Gefühle und Emotionen in verdrehtes Universum zu projizieren.

Außer seiner Vorliebe Prominente zu erniedrigen, verwendet Alex seine Kunst als Mittel der Selbst-Medikation, mittels der Erschaffung emotional geladener Bilder auf Leinwänden, Skizzenbüchern, sowie alle anderen Oberflächen auf welche sich seine bizarren Zeichnungen aufbringen lassen.

We kill you
Toronto, Kanada

We kill you unerstützt keinesfalls Gewalt. Der Name ist zu vergleichen mit dem Idiom:"Ich lach mich tot" Gegründet wurde WKY in Toronto, dass Team besteht aus The Ghost, The Bat, The Sasquatch, The Bunny, The Bear, und The Ape, deren Internsion es ist ein Lächeln auf Euer Gesicht zu zaubern. WKY ist ein Dekorations Projekt, welches Möbel und auch Sperrmüll recycled. Andererseits verschönern sie die Wände in den Straßen mit Ihren Collagen getreu nach dem Motto:"Wir wollen die Welt zu einem glücklicheren Ort machen".

Playdead Cult
Toronto, Canada

Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.

Nanami Cowdroy
Sydney, Australien

Nanami Cowdroy ist in Sydney, Australien geboren mit einer erblichen Bindung an europäische und japanische Wurzeln. Das Aufwachsen in solch kontrastreichen Kulturen und Umgebungen beeinflusste natürlich nachhaltig die Kunst von Nanami. Dies unterstützte Sie zusätzlich durch ein Studium in Graphik Design und visueller Kommunikation. Das ineinander verzahnen komplexer Charakteristiken und detailreicher Objekte hinterlässt eine hypnotische und fesselnde Wirkung beim Betrachter. Ihre exotischen Werke reflektieren die Zusammenstellung familiärer und fremdkultureller Wesenheiten. Ihre Vorstellungen sind illustriert und reichen von emotional bis durchdacht und intuitiv verworren. Nanami fühlt sich künstlerisch hingezogen zu Subjekten, die oberflächlich betrachtet filigran und zerbrechlich erscheinen. Dank der hand-gezeichneten Motive und Ihrer Tuschetechnik verleiht sie diesen Subjekten dann eine bemerkenswerte Stärke und Fülle.

Camilla dErrico
Vancouver, Kanada

Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.

eBoy
Vancouver, Kanada

Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.

Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.

Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.

Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.

Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.

eBoy
Vancouver, Kanada

Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.

Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.

Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.

Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.

Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.

Warren Mack
Toronto, Kanada

In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.

Charles Harper
Cincinnatti, USA

Charles Harpers Tierwelt Kunst ist ohne Schnörkel und Federn angelegt. Minimal Realismus, wie er es selbst nennt: - Ich versuche nicht mehr darzustellen und alles überflüssige wegzulassen, - erklärt er und fügt schelmisch hinzu: - Ich versuche nicht die Federn an den Flügeln zu zählen; ich zähle die Flügel. -
Charles erklärt den Leuten, die seine Kunst mögen, dass er nie angefangen hat einen Vogel zu malen - der Vogel existierte ja bereits.
- Ich begann ein Bild von einem Vogel zu malen, welches mir die Chance gibt, meinen persönlichen Gedanken über diesen Vogel einen Ausdruck zu verleihen. Sobald man diese simple Sichtweise akzeptiert, lassen sich die vielfältigen Ansätze zur Herstellung meiner Bilder erkennen. Alle Dinge die beginnen wo der Realismus aufhört, bedingen den Realismus für eine erfolgreichen Durchführung.